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sábado, 30 de agosto de 2014

EMPATHY TEST
"LOSING TOUCH" [EP]
 Stars & Letters
2014



No me he podido contener a redactar el EP de este duo de Londres llamado Empathy Test. Es la primera vez que hago una reseña de urgencia, pero creo que la ocasion lo vale. No me pienso extender por una vez y voy a ser directo y conciso. ¿A que suenan? Depeche Mode, The Cure y hasta un toque de Pet Shop Boys con glamorosas y rezumantes letras junto con un Synthpop peligroso que suena para derretirte el corazón en un trance. 
La canción de apertura 'Losing Track' hipnotiza con su letra "its always been you", contiene un ambiente de baile atmosférico lento y a medida trascurre se funde en la segunda cancion  'Kirrilee' que me lleva de nuevo a sentarme y a escuchar la música con los ojos cerrados. Intervalos delicados de maravillosas voces evocadoras de su cantante Isaac Howlett emparejado con sonidos electrónicos de sintetizadores atrevidamente melancólicos diseñados por el compositor Adam Relf.
Tercera canción 'Last Night on Earth" casi trae las vibraciones de unos The Killers con un fantástico  tempo que en comparación con sus predecesores se fusiona con un baile de calentamiento al corazon.
Cuarta y final '¿Where I Find Myself" una vez más una cancion más lenta y más melancólica, un redondeo brillante e innovador y contemporáneo, un autentico descubrimiento este álbum de sintetizadores de este dúo de Londres.
Aunque a veces la EP se funde en uno, ya que solo contiene cuatro temas que se mezclan fácilmente, sigue siendo una opción brillante para escuchar bajo el sol cegador y chanclas.


Puntuación *8/10

SERGIO VERDIELL
 THE SMASHING PUMPKINS
"SIAMESE DREAM"
Virgin Records
1993



Continuamente me pregunto si pudiera volver atrás, ¿qué cambiaría? La verdad es que no lo se, me siento tan satisfecho como insatisfecho por partes iguales de todo lo que he llegado hacer a lo largo de los ultimos años 20 años. Y luego está el tiempo. El tiempo que pasa y no vuelve y se quedan tantas cosas por el camino que nunca mas vas a poder recuperar. Supongo que vivir en un limbo perpetuo es la forma mas acertada de nombrar el vacío, un vacio de ilusiones, proyectos y de historias donde la pasión y el deseo tan solo son un vacío estéril como un desierto. Me jode hablar asi porque es mas propio de un veinteañero que de alguien que está a un paso de cumplir los 37 y que deberia tener una vida hecha, completa y satisfactoria, pero supongo que el mensaje desalentador es generacional, aunque no quiera soy hijo de Douglas Coupland. Me he sentido muchas veces como Siamese Dream, ese caminar por el otoño, cuando no tienes una dirección clara, ni tampoco sabes exactamente qué estás haciendo ahí fuera en la lluvia, en la oscuridad, pero hay una cierta fuerza allí arriba que te muestra el camino, en voz baja. Es también el sonido de los años 90, con uno de los mejores productores de los 90 (Butch Vig), y sobretodo poesía de los 90, los años melancólicos, años de perfección y como Billy Corgan fue capaz, a través de sonidos elegantes de guitarras y una voz a veces desgarradora, de introducirse en ti, como un puño en el pecho, para agarrar esas mariposas inútiles y molestas que la gente identifica con el amor, y luego acariciarte, con las manos aún chorreando sangre.
1993 aunque ya está muy lejos, vale la pena volver de nuevo y escuchar su música. Y ya no hablo de simple nostálgia, sino el punto de impacto que trasmitio "Siamese Dream" y que no perdono a nadie. Como se puede resumir en pocas palabras tal impacto... Un álbum que trasmite dureza, enfadolágrimas y melancolía a raudales. Suena más que cualquier otro disco de los Smashing Pumpkins al sonido de los 90, así de irresistible y sorprendente, es una auténtica roca monolita.
Bien es sabido que con "Mellon Collie" Billy Corgan lanzó su mejor best-seller, golpeando y destruyendo a todo lo que se encontrada por su paso. Sobretodo con su archifamosa "1979", una cancion que es la marca generacional para todos los que ya sobrepasamos los 30, si, ya es la segunda vez que digo la palabra generacional y no sera la ultima ya que no es un album al uso como bien podriamos pensar. Con "Siamese Dream" somos testigos de un estado absoluto de gracia en la composición y no hay pérdida de estilo con su predecesor Gish. Existen múltiples influencias, pero podrían describirse como una síntesis de post rock, noise y hard rock con un gran talento melódico. Billy toma elementos del sonido de My Bloody Valentine y los entrega en un formato mucho más perjudicial, directo y comercial

Dejando a un lado el juego de referencias e influencias, el adjetivo que se debe atribuir a "Siamese Dream" es de "obra maestra"; canciones que nunca se pierden por el camino. A menudo las distorsiones son como puñales que nosotros invertimos como ondas de choque para apropiarnos de sus melodias etéreas que entran en nuestro ser para inundandonos de todo tipo de sensaciones y sentimientos, "Quiet" es el ejemplo mas representativo de esa tortura existencial. "Today" es un tema que suena salido de una caja de musica donde la muñeca baila al compas de su delicada nota, quien hubiera dicho que este tema fue escrito cuando Corgan estaba sumiso en una profunda depresion y apunto de hacer lo mismo que Kurt Cobain haría un año despues. “Era un suicida en potencia, incluso llegué a planear cómo sería mi muerte. Imaginaba en mi cabeza la forma de hacerlo, empecé a regalar mis discos y también pensaba en cómo sería mi funeral. Era algo de locos”.  Pero no todo se basa en autodestruccion aqui se ahonda mucho en guitarras acústicas, dulces, como en "Sweet Sweet", un oasis de paz y ruido, una marca para la mayoría bandas del movimiento grunge. En tal caso, la inconfundible voz de Corgan y el baterista Jimmy Chamberlin nos abruman. No olvidemos que estamos en la era del grunge, aunque ellos no eran de Seattle y si de Chicago.
El disco nos da la bienvenida con la mejor canción de la carrera de los Smashing: "Cherub Rock". Un redoble de tambores como si de una ejecucion militar se tratara. A continuación, una guitarra limpia, repite cada vez más fuerte, introduciendose a su vez el bajo creciendo todo bajo la oscuridad teñida de Chamberlin. 55 segundos de música pura y dura son los que transcurren hasta que Corgan
estalla diciendonos frases punzantes entre guitarras distorsionadas, lo cual tiene el efecto de terremoto. A lo largo de la canción no nos abandona un infierno de fuzz y riffs, incluyendo melodías mínimas y variadas que hacen un gran efecto de estupefaccion, como continuos golpes bajos y directos, culminando un espléndido final que desde el inicio a ido creciendo. Las sorpresas vienen una detrás de otra. "Today" es una canción que realmente te hace soñar, además de sumergirnos en los años 90 inequívocamente hablando. "Rocket" contiene una guitarra con sonidos extraños que nos desplaza hacia algo que no sabemos difirenciar de donde viene, es una pieza acústica de lo mas orquestal. "Disarm" es el tormento y el dolor de un desamor hecho cancion, siendo es uno de los vértices del álbum, tanto para la letra como la melodía. Imposible no mencionar a continuación "Geek EE.UU.", es la cancion que un baterista debe hacer trucos acrobáticos, aqui revelan sus influencias de metál. Lo mismo para el largo bacanal psicodélico de "Silverfuck" escucharla tiene el mismo efecto que disfrutar plenamente de un buen alucinógeno. Las últimas canciones son autenticas perlas "Mayonaise", es el caballo de batalla de Corgan y sus socios, tierna, melancolia, lisergica, ensoñadora, no hay descripcion en la RAE para ella, lo unico que puedo decir es que es un manifiesto a la música, y luego llega "Spaceboy" mostrando boca arriba todas sus cartas haciendo de la mejor manera ese lado acustico, suave y melódico. Siamese Dream es peligroso y veces te hace sentir  suicida como Billy Corgan, que en ese momento llegó a planear repetidamente a tientas ese último gesto. Se convirtió aislado incluso de otros miembros de la banda, y se mantuvo al borde de la locura y de una salud destruida. Regaló registros y guitarras, como si este trabajo tenía que ser su despedida.
Tenemos que admitir que Smashing Pumpkins hoy ya no gozan de la creatividad que escribieron en el pasado, pero también es un poco culpa de las publicaciones posteriores a 1998, muy tenues por asi decirlo. Este factor de coste es el precio cuando realizas varias obras maestras seguidas, algo parecido le ocurre a otro icono de los años 90 como Pearl Jam. E
s un disco para recuperar y escuchar antes de morir. Siamese Dream es la rabia de una tarde de primavera, es la tristeza de una mañana de invierno y es la esperanza de una noche de verano.


Puntuación *10/10

SERGIO VERDIELL 

martes, 26 de agosto de 2014

 ENIGMA
"THE CROSS OF CHANGES"
Virgin
1993 




Hoy me siento místico y me apetece de hablar de una banda que quizas para algunos les parezca poco interesante, pero en cambio a mi me marco mucho por el año 1990. Si, yo antes de entregar mi vida a la música alternativa me gustaba el New Age, las vueltas que da la vida eh. Para quienes desconozcan Enigma podriamos decir que es el funcionamiento de un cerebro. Poco se sabe sobre él, aparte del hecho de que según en que estado de animo te encuentres te puede llegar como pocas cosas, la banda es conocida por una música en la que combina canciones multiculturales basadas ​​en la religión. "The Cross of Changes", es el segundo álbum de Enigma. Para redondear la simplicidad del álbum, debes saber que sólo incluye 9 canciones, alcanzando la marca de 45 minutos. A pesar tristemente del corto tiempo, encontrarás mucho más de lo negociado en la primera escucha.
"The Cross of Changes" es una rica combinación de diversos géneros musicales, principalmente en el canto similar al gregoriano. Su más notable single, "Return to Innocence", es lo que lo convierte en una inmensa obra maestra. Combinando el canto malayo nativo con un ritmo moderno, un tema profundamente motivacional que nos anima a viajar a nuestra esencia y ser nosotros mismos. En el clip vemos como un campesino muere en la tierra que ha trabajado toda su vida. A partir de ahí se nos cuenta la historia de su vida partiendo desde el final y acabando en su nacimiento. En el vídeo queda muy curioso ver como se forma un trozo de pan, el trigo se des-siega, la tierra se des-ara y los árboles vuelven a acoger a sus frutos. Algo solo al alcance de un genio como Cretu, curiosamente la voz principal siempre crei que era la de Sandra, en cambio solo aparece brevemente recitando el estribillo en medio de la canción. La otra voz que suena es la de un tipo llamado Andreas Harde. Esto indica que Enigma es un proyecto lleno de ideas y estilos originales. Mira lo más profundo, y te encontrarás "Te Amo ... le mataré". Lleno de efectos de sintetizadores, tambores tribales y voces femeninas tan suaves que suenan como un fragmento de cybersexo.


 
El resto del álbum fluye tema tras tema en una mezcla impresionante de cantos, orquestas, techno y rock. "The Dream Of The Dolphin" sinceramente es una pieza increible de piano! Sin embargo, no significa que sea un disco perfecto, ya que para algunos lo encontraran repetitivo. "The Cross of Changes" es la obra maestra de Enigma y si hubo un artista en los 90 que se anticipó al sonido de los sintetizadores ese fue Enigma, al igual que en sus dias hicieron The Prodigy "Fat of the Land", The Chemical Brothers "Dig Your Own Hole" y Moby de "Play".
 

Puntuación *9/10

SERGIO VERDIELL

domingo, 24 de agosto de 2014

 MOTORAMA
"CALENDAR"
Talitres Records
2012


No todos los días, uno se encuentra con un grupo que rompe todos tus esquemas. Por supuesto, hay muchos actos que intervienen, pero yo no estoy hablando de escuchar una canción y olvidarse, hablo de una cancion detras de otra y hacerte sentir como si lo que escuchas es la primera primera vez que lo haces en tu vida. Amo por encima de muchas cosas ese momento de pura felicidad o de iluminación o como quieras llamarlo. Motorama, es una banda proveniente de Rostov-on-Don (puerto fluvial del Sur) de Rusia. Su sonido es considerado como de post-punk, pero te darás cuenta sin lugar a dudas que su sonido es caracteristico de los años 80 y no solamente provinente de Joy Division, aqui se mezclan factores diferentes para hacer un estilo único. Creo que meterlos en un género no seria justo, su música habla fuerte y eso significa mucho más que ningún tipo específico de categoría. Lo extraño es que las canciones de la banda están en Inglés. Ellos son completamente desconocidos en Estados Unidos y tienen contrato con un sello francés. Supongo que estaréis esperando que os diga las similitudes, bueno, ahi van, evocan sonidos de Joy Division, The Nacional, Interpol, y con una pizca de chillwave espolvoreado por encima. Estas comparaciones obligatorias se dibujan sobre la base de un gran parecido vocal de los cantantes principales de estas bandas. Las voces son graves, profundas y tienen mucho peso emocional. Sin embargo, lo que realmente se destaca para mí son los arreglos de sonido que son maravillas de algun sueño perdido. La luz hace flotar sin esfuerzo en todas todas las direcciones de cada canción. Como he mencionado anteriormente, Motorama te sorprenderá completamente en cada tema. Su sonido es dulce y mientras galopa con fluidez.
"Calendar" cuenta con diez canciones notables y la consistencia del álbum es asombrosa. Eso no quiere decir que la banda toque sobre seguro, ya que casi nunca lo hacen. El talento de la elaboración de las melodías suaves son bastante complejas y a la vez sorprendentes. Rara vez puede un grupo te pondrá en un estado de ensoñación perpetua como este quinteto hace. No se puede negar que su sonido indizca una fuerte presencia, que no necesita ser ignorado o desestimado libremente. Si estás buscando un poco de la mejor música que se ofrece en cualquier país fuera de EEUU o Inglaterra, no busques más allá de Motorama. Estos chicos van a darle una sacudida a lo grandes dogmas musicales en el futuro, estoy convencido. Por supuesto todo es subjetivo, pero ya digo, si eres un fan de cualquier tipo de música de los 80, Motorama será tu siguiente parada ineludiblemente. "Calendar" es como dirigirse a un terreno desconocido y familiar. No sabes lo que vas a descubrir, pero cuando de adentras te darás cuenta de que es exactamente eso mismo se has estado buscando durante mucho tiempo. 
Para identificar qué canciones son precisamente el punto culminante del álbum no es una tarea fácil, porque cada canción es maravillosa. La canción de apertura, "imagen", es un excelente ejemplo de cómo el registro del álbum sonará en todas partes. Con un bailable, jangly como ritmo, podrás perder fácilmente el sentido dentro de su música. A pesar de cómo una canción individual puede abrir el sondeo, Motorama cambia siempre de engranajes y cambia su resonancia a algo muy celestial. "rose in the vase" es totalmente impresionante. Esta obra maestra cuenta con un rítmico sonido y un tono profundamente melancólico. "Calendar" te trae un arsenal de canciones que te haran coger frio por tu espalda. Todo lo que se encuentra en el álbum es un placer inesperado, emparejado con una belleza inigualable.



Puntuación *8/10

SERGIO VERDIELL

lunes, 18 de agosto de 2014

 EDWARD SHARPE AND THE MAGNETIC ZEROS
"UP FROM BELOW"
Vagrant Records
2009


Siempre he creído que si hubiera vivido los años 60 en San Francisco hubiera acabado siendo hippie y fumando porros como un descosido (por cierto, creo que ya lo dije en otra reseña y me parece que me repito), aunque seamos sinceros, el movimiento hippie siempre me ha llamado la atención mas que nada por su música y la estética que por sus ideales, ya que a mi eso de tener que ir ropas cómodas me parece bien, pero eso de tener que vivir en una comuna se me hubiera hecho algo tedioso, con mujeres semi desnudas quizás no tanto, pero eso de ver a un tío con el pinganillo al aire como que no!! (¿momento machista?, acepto todas las criticas jajaja), En fin, como siempre me ocurre me ando por los cerros de Úbeda. 
Hoy os hablo de una banda que es difícil de catalogar, está entre algún subgénero del folk, indie o rock ya no se muy bien el estilo con tanta etiqueta, el caso es que tienen una pinta de hippies que os harán caer de culo. Pero como buenos hippies que parecen, lo de convivir en una comuna lo han traspasado a la música (desconozco si también viven apelotonados, imagino que no) pero eso de obtener una docena de músicos, e inventar un personaje mesiánico destinado a salvar el mundo y conducirlos a través de la trascendencia de la música, con unas arapos sucios de color blanco y enviarlos a dar un paseo en el desierto californiano lo llevan muy bien con su filosofía. El resultado es "Up From Below", y es como volver al pasado. Como el mismo tiempo en que Ang Lee nos hablaba de música en el documental "Taking Woodstock" a través de imágenes, Ebert y compañía nos dan imágenes en la música, casi como instantáneas desde el '69. Y muy flower power.
"Up From Below" es un álbum evocador, y gran culpa de eso es cuando nos dejamos llevar cuando lo escuchamos y vamos atrás en el tiempo, concretamente más o menos 40 años. Edward Sharpe and the Magnetic Zeros tienen un pasado importante del cual sus influencias beben claramente de Mamas and the Papas, de la psicodelia y del folk-rock que es la mejor tradición americana. Aunque mas que un pasado incómodo con el que comparar serían como haber hecho el gesto de sacar un conejo de la chistera en un conjunto de emociones que van desde la alegría por estar vivos "Janglin" a las sombras oscuras de "Desert Song" y "Black Water". La mejor canción que condensa todo el álbum es definitivamente "Home", un verdadero ataque a la nostalgia, un himno al neo-hippie cuyo video es tan genial que vuelve a Sharpe & co. contraluz en un baile.
Debemos decir que Ebert es un músico posmoderno, y en verdad es sólo un músico que se siente firme partidario de la utopía. Probablemente es una utopía "Up From Below" y su renacimiento hippie. Pero es una hermosa utopía. Al menos mientras dura la música. La Paz y el amor, dan la bienvenida al pasado.


Puntuación *7/10

SERGIO VERDIELL

sábado, 16 de agosto de 2014

 ORANGE BROEK
MandarinaEstudi 
2014 




En su mayor parte, la música electrónica se divide en dos grupos: la música, donde hay mucho que escuchar y poco que sentir, y la música de baile de ritmo rápido donde hay menos que escuchar y mucho menos que sentir. Podríamos decir que Pere Jurado, responsable de este proyecto synthpop llamado Orange Broek, no encaja realmente en ninguno de los grupos dichos anteriormente; no es una electrónica al uso por así decirlo, el atractivo de Orange Broek está en la reminiscencia de sonidos que recuerdan la década de los ochenta cuando imaginábamos cuando eramos niños como seria nuestro futuro, creado todo a base de un mundo de música electrónica y robots, permitiéndonos ser sumergidos en la sensación de sonidos informáticos generados por sintetizadores.
A medida que el LP comienza, es difícil no dejarse llevar y querer perderse en este laberinto inexorablemente electrónico y de voces aterciopeladas. "Nueva Vida" es como la presentación ante el nuevo proyecto, habla de amor, de oportunidades y sobretodo de esperanza, la letra aunque ha sido compuesta por Aitor Morata, estoy seguro que ha sido escrita a través de los ojos y las experiencias del punto de vista de Pere Jurado hacía lo que va a ser para él una nueva vida con Orange Broek, todo en la voz de Pere que nos arrulla y nos hace vivir y ser cómplices de este sueño. "Despertar" nos transporta en gran tamaño al sonido natural del disco con latidos electrónicos, y una letra indie llena de suavidad que roza por momentos el chill out. Las canciones que preceden son como una cadena densa de pulsos de magma y palpitaciones, las emociones pueden ser transformadas en viajes de baile y ritmos tecno que juegan con nuestra mente, capaces de evocar emociones típicas como cuando descubres que estas delante de algo maravilloso. "Absurdo" es un feat por parte de Elena Jurado, y añade ese hyper creativismo en el uso de herramientas electrónicas mezcladas con voces apacibles que no sólo proporcionan los ritmos rápidos y bits por segundos en las pistas de baile, aquí también se añaden patrones armónicos en un continuo desarrollo de invenciones lisérgicas, siendo el resultado de una mente brillante.


Canciones que hacen voltear tu cabeza sin ser predecibles en ningún momento, siempre en constante evolución y variedad (Instrumentales, letras en castellano, catalán, todo conjuntado en una compleja y perfecta armonía). El principio de "Un Salt" es como entrar en el ojo del huracán con los casi cinco minutos en que esta pequeña obra maestra se adueña de un verdadero banco de sonidos y ritmos. "Coco Chanel" es la combinación perfecta entre la electrónica y el elemento humano de la voz de Pere Jurado, un ritmo de desarmonía y desavenencias, hacen que la letra y la melodía sea bastante mas pausada y pop que las demás canciones, el mérito lo tiene la incursión del violoncelista de la Orquesta Sinfónica de Barcelona, Jean Baptiste Teixer. "Vida Inteligente, parte 1" y "Vida Inteligente, parte 2" dan el momento de quietudjustamente al final del álbum, donde emerge el lado más melódico y soñador. En última instancia podríamos decir que desde los sonidos electrónicos también se puede hacer pura poesía para tus oídos, y es con estas dos partes en que la que la atmósfera sosegada y envolvente se consigue recrear, haciéndonos viajar la mente de forma paralela a otras dimensiones.
Hacer música significa ser capaz de medir muchos elementos en el caldero y poder renovarlos de vez en cuando. En este episodio hemos sido testigos de este ejemplo, una música más bailable que su anterior EP "Soroll" y ciertamente mucho mas exigente. Un recorrido espectacular que termina con un viaje de inteligencia, sabiduría y cultura en la música, ¿quién da mas?

 
Acaban de publicar el álbum en formato digital en el que lo podéis encontrar en varios sitios: (bandcampspotifydeezer)  

Puntuación *9/10

SERGIO VERDIELL
 The Birthday Massacre
"WALKING WITH STRANGERS"
Metropolis Records
2007



Si hay que nombrar una banda heredera de la estética de Tim Burton, no es otra que The Birthday Massacre, sus vídeos, la portada de sus discos, la música, todo hace recordar al director de Pesadilla antes de Navidad y La Novia Cadaver. Es verdad que yo tuve una época muy fan del señor Tim Burton, pero también es verdad que lo fui por culpa del arrastre de una chica, es curioso como el mundo de Burton despierta tantas pasiones en el sexo femenino, en serio, la cantidad de fans que alberga es increible, solo hay que ir un día algún garito gótico para darse cuenta de la cantidad de merchandising que existe y adorna una cantidad considerable de chicas amantes de la oscuridad, pero bueno, como diría alguien que conozco eso ya es harina de otro costal. Mejor me meto en el disco de hoy que es bastante sorprendente.
El álbum esta a medio camino entre un sueño de hadas y un sueño onírico de Tim Burton, para quienes no los conozcan es una banda canadiense, y este es su tercer tercer disco, con una bonita damisela detrás del micrófono, que es la culpable de propinar la sopa de metal gótico en una salsa de un corte mas clásico, mucho mas ochentero y atractivo, a mi la voz me recuerda a veces a Sandra y otras a Brian Molko, ¿recordais esa cantante que se hizo famosa por allá a finales de los 80 con la canción "María Magdalena"? que por cierto, acabo casandose con el tío de la banda Enigma, (¿dato curioso?). Muchos quizás les suenen a la enésima copia de los distintivos Evanescence y/o Nightwish, yo mas bien los veo como una vuelta de tuerca a ese estilo ya exprimido y por lo tanto mucho mas interesantes francamente...la voz ya no es un clónico de voz femenina que intenta desprender el dolor de un alma atormentada, es mas bien dulce y sobretodo mucho mas pegadiza.
Lo que nos encontramos en este disco de tonos fucsia púrpura es un cambio de sonido que combinan hábilmente las armonías de guitarra de rock gótico a ritmos bailables de molde industrial y synthpop, envolviendo todo el asunto en una pátina de nueva oscuridad, por encima del cual se destaca la voz sensual y etérea de la vocalista Chibi, una especie de Alicia en el País de las Maravillas dentro del mundo de Pesadilla antes de Navidad.
Musicalmente hablando, si no eres un fan de las bandas mencionadas anteriormente entenderás de lo que estoy hablando, de lo contrario el consejo que te puedo dar es que te apresures a escuchar canciones como "Kill the Lights" o "Falling Down" Walking with Strangers, tiene un registro como dpelícula mas
allá de las apariencias de adolescentes que intenta dar la música, pero este trabajo es absolutamente recomendable, no sólo por su variedad de estilos, sino también por su frescura y el impacto sinfónico, agresivo y adictivo y lo confirman estas 12 gemas de synthrock que arrebatan una amarga sonrisa digna del mejor Jack Skellington.


Puntuación *7,5/10

SERGIO VERDIELL

jueves, 14 de agosto de 2014

 THE DELTA SAINTS
"A BIRD CALLED ANGOLA" [EP]
The Delta Saints Self-released  
2010


Según como lo escuches y en que momento del día lo hagas, el álbum de The Delta Saints es como un viaje en tren a través del gran pantanoso sur de los Estados Unidos. Inmediatamente después de la primera toma con el baterista Ben Azzi y la guitarra de Dylan Fitch el tren te sacude con la ayuda desenfrenada de la armónica de Greg Hommert en una estación llamada Blues. Ben Ringel saca inmediatamente su agrietada voz cuando David Supica lanza su bajo contra él en A Bird Called AngolaBen Ringel no sólo es un excelente cantante sino que a veces recuerda a cantantes de la talla de Johnny Winter o de Allman Brothers, gente de una calidad innata pero de demasiado control para ser imitados. El sonido que hay en Momma hace reducir la velocidad del tren nada más sonar el llanto de Hommert con su armónica y la atmósfera sureña que le abunda. Luego hay otro carbón para ser arrojado al fuego con la pala y no es otro tema que Voodoo Walk, aumentando la velocidad de nuevo. Callin 'Me Home es una canción sensual en la que Ben Ringel grita con sus pulmones por enésima vez a su vida y en Swamp Groove.  
Después de llegar a la terminal de "Bird Called Angola", uno se acuerda de la teoría de la evolución de Charles Darwin y no es otra que la de: "el fuerte resistirá la prueba del tiempo". The Delta Saints  representan la evolución de la música blues. El álbum es un homenaje a los grandes bluesmen del pasado, y también representa la continua evolución del género de blues a traves de este siglo 21.
El Blues está aquí para quedarse, y si grupos como The Delta Saints deciden seguir tocando, vamos a tener un gran porvenir durante años y años.


Puntuación *9/10

SERGIO VERDIELL

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