Mi lista de blogs

Labels

Tags

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...

Random Post

Mi lista de blogs

Con la tecnología de Blogger.

Translate!!

Encuentralo!!

http://lasillaenfadada.blogspot.com.es

¿Te gustaría colaborar con reseñas en La Silla Enfada?

Envianos un E-Mail: lasillaenfadada@hotmail.com



Canción del día (Song of the Day)

Canal YouTube: LaSillaSónica

Canal SoundCloud: LaSillaSónica

Twitter

Colaboradores

Pages - Menu

miércoles, 29 de octubre de 2014

 DEATH IN VEGAS
"THE CONTINO SESSIONS"
Concrete
1999



No se porque, pero existen años que marcan un antes y un despues en nuestras vidas por acontecimientos que no podemos controlar. El mio sin lugar a dudas fue el 2000. Año en el que acabe mis estudios y empeze la vida laboral, falleció alguien que me vio nacer y me cuido hasta su último dia y conoci a una persona que simplemente me estampó contra la realidad. Demasiados cambios que a la larga te hacen ver la vida por un prisma en el que no estas acostumbrado ni a veces preparado. ¿Pero quien está preparado para los cambios? o ¿quien esta preparado para una vida que nunca eligió? Pero sin estos cambios imprevistos, a veces forzados y que no deseamos son los que radican nuestra formación ante la vida. Hay discos que son asi, llegan y cambian una época, los estilos y la forma posterior a la hora de escucharla, se aprecian nuevos sonidos, sensaciones y colores que antes desconocías. Creo que si pensamos cientificamente el significado de la naturaleza musical podemos llegar a la conclusión que existen ciertas melodías que por razones que desconocemos resuenan dentro de nosotros de una forma "especial", y se de lo que hablo. En 1939 se instaba a todo el mundo a afinar el LA musical a 440 Hertzios, en lugar de a 432 Hz, frecuencia a la que se afinaba toda la música hasta el momento. Desde 1939 hasta hoy en día se ha entonado a esa frecuencia. Esto provoca en la gente pensar y sentir de una manera diferente y se la mantiene sumida en un desorden interno. La afinación natural a 432 Hz tiene efectos profundos en la consciencia y también en el nivel celular de nuestro cuerpo. La primera alteración física que podemos notar cuándo llevamos un rato escuchando música, es cansancio, fatiga, ganas de no hacer nada, y esto sucede porque los armónicos de la música no encajan con la frecuencia vibratoria del ser humano. El tema da mucho que hablar y es largo y muy interesante, asi que para no enrollarme mas quien quiera saber solo debe buscar información, quizas todo esto suene como de alguien que tiene alguna disfunción mental, pero este sonido no es para nada una locura, gente del talante de Mick Jagger o Kurt Cobain se interesaron mucho.
Y es que hay que aceptarlo. Vivimos en un mundo donde las muestras electrónicas y ritmos se han convertido en parte nuestra todos los días. Esta revolución "poptrónica" ha empezado a envolver nuestras corrientes principales en nuestros gustos musicales. Parece como que casi todo lo que se publica en estos días está tratado para sonar "techno". Pero detrás de estos intentos de sonar y hacernos mover la cadera, no son actuales, los verdaderos actos electrónicos ya venian de parte de Fatboy Slim y The Chemical Brothers u Orbital, cuya popularidad hicieron que la música electrónica fuera algo de lo mas elegante y no un machaque para nuestra integridad de nuestros timpanos. Luego está Deaith in Vegas, una banda cuyo sonido hace referencia a las bandas anteriores, pero no son tan fácilmente reconocibles. Ellos mezclan electronica? Rock alternativo? Trance? Trip hop? Justo lo que me enloquece y a la vez es el tipo de música que seguro suena en el infierno. Quizás, esta sería la descripción más simple. Sin embargo, no explica mucho del sonido que realizan. Tal vez una mejor descripción sería "un aluvión de meditaciones psicodélicas que pueden inducir un estado de trance donde nada importa más que nosotros y un mundo musical donde existimos dentro".
Si estás del todo familiarizado con el primer lanzamiento de DIV "Dead Elvis", su respuesta puede serte una sorpresa; se nota que han recorrido un largo camino desde entonces. El nuevo álbum, "The Contino Sessions" marca un salto progresivo en la banda. Canciones del calibre como "Aisha" donde está invitado Iggy Pop y Bobby Gillespie de Primal Scream, y es que DIV lanzaron uno de los álbumes más innovadores de finales de la decada de los 90.
"Dirge", abre el álbum, y nos saluda con una simple progresión de acordes de guitarra junto con un inquietante coro repetitivo de "la la la". Una excelente opción para empezar, "Dirge" contiene esa simplicidad y esa extravagancia sin cuartel. Incluye una línea de bajo y teclado que asusta. El resto del álbum se amplía sobre este estilo, cada canción es una montaña rusa musical, es la construcción de la simplicidad en una intrincada belleza.
Este álbum es un magnífico ejemplo de lo que es posible a través de la incorporación de la instrumentación en el rock y la tecnología electrónica, es dificil hacer sonar algo electrónico y no hacerlo sonar como cualquiera. Esta es música que puedes sentarte, apreciar, relajarte y soñar "Flying". No contiene un gran significado profundo, ni hay un mensaje oculto que interpretar. Cuando la belleza es inherente no hay que buscar mas.
Este álbum es una expresión artística, la grandeza radica en la complejidad de las emociones que exhibe. La instrumentación, incluso cuando es tan simple como un órgano se establece y se extiende un estado de ánimo premonitorio. Este es un álbum uno puede perderse y reencontrarse. Puede ser preocupante maravilloso.


Sergio Verdiell

Puntuación *9/10

viernes, 24 de octubre de 2014


 LOW
"THE INVISIBLE WAY"
Subpop
2013



Siempre que Eduard Punset opina, comenta o reflexiona es obligado y digno de atender a sus sábias palabras, y en esta ocasión, el científico, dejo caer en una de sus convenciones algo tan corriente como es la música, remarcando una frase lapidaria que te hace pensar profundamente "La música sirve para algo y el resto, para casi nada", también leí hace unos días algo muy parecido y decía que viendo y sabiendo el comportamiento de la humanidad a lo largo de su historia, la música había sido un error de la creación, algo incomprensible, como algo tan bello y perfecto podía haber salido de las entrañas de la autodestrucción de una especie que arrasa todo por donde deja su impronta. Quizás, si dentro de miles de años todavía esta especie como es la humana existe, espero y deseo que sea recordada por su capacidad de crear de la nada sentimientos, emociones, llantos y alegrías a través de los dedos de esos genios sin que nada les tiemble el pulso y respetando siempre la melodía que nos cautiva, a lo mejor lo único que importa es, justamente, lo que nos cautiva: sentir que formamos parte de la manada, empatizar con los demás. A lo mejor la música sirve para algo y el resto, para casi nada. Y es que hay que entender que la música es un lenguaje y hay canciones que tienen sus raíces tan profundas en nuestra memoria como para parecer casi un conocimiento innato, es el residuo de una existencia anterior, un recuerdo atávico. Pero ¿de dónde viene tal apego a una melodía? en los episodios triviales de nuestra vida se despiertan sensaciones olvidadas, la epifanía, en este caso, la manifestación de la dimensión extra-temporal de los recuerdos, se realiza en la oportunidad de saborear la emoción repentina de una suspensión en el tiempo, por lo general relacionado con la juventud, la edad que recordamos con mayor ternura y en la que estamos más dispuestos al asombro y a la maravilla de las cosas. En momentos en que surgen las últimas emociones, el tiempo se pierde en las profundidades de nuestra memoria, vuelve a envolvernos de nuevo con esa claridad y te das cuenta de que el triunfo del espíritu humano es inexorable al paso del tiempo y a la descomposición de la materia. De la misma manera habrá música que os matara lentamente y llorareis en palabras que hieren el alma, palabras que aun a pesar de que lo intentéis, no podréis arrancaros de vosotros, de vuestros pensamientos y de lo que es peor, de vuestro corazón.
Parece que a medida que pasaban los años, tendemos a atraer sólo lo esencial. Y Low no son la excepción. Registrado bajo el liderazgo de Jeff Tweedy (Wilco) en su estudio de Chicago, tomando la apariencia de equilibrio en esta última entrega vuelve a sonar al igual que su predecesor, lentitud, tranquilidad, melancolía y belleza, pero aún más radical que nunca. "The invisible Way" suena como dulces palabras susurradas en la almohada, un trabajo para escucharlo y sentarte con las luces apagadas.
Causa o consecuencia, el trío esta vez dejó a Mimi Parker pusiera su voz a la mitad de los títulos de las canciones cuando se habían utilizado previamente para usar solo una o dos canciones, y dejar el resto a un Sparkhawk que todavía sigue igual cuando se trata de mover los hilos de las emociones ("Plastic Cup, Amethyst, Mother, y la hermosa Clarence White"). Musicalmente también, Low parecen tener su elección. Como para compensar los temas pesados con las letras y que lógicamente han sido defendidas por composiciones más estridentes, la banda ha optado por hacer de la guitarra acústica y el piano dos piezas claves en el álbum "So Blue" "Four Score".
También tenemos alguna saturación guitarristica "On My Own", y un ligero aumento en el ritmo "Just Make It Stop", "The invisible Way" es tranquilizador por dos razones: una porque que te sientes bien, el otro porque las cosas bonitas son las cosas que llegan sin decir nada y sorprenden. Las que subyacen en los huecos de las palabras que sí que se han dicho. Qué bonito todo lo que se dice sin decir, y qué bonito lo que le acabo de decir tan sin querer.


Sergio Verdiell

Puntuación *8,5/10

miércoles, 22 de octubre de 2014

MARK LANEGAN
"THE WINDING SHEET"
Subpop
1990



Jamás llegare a comprender a gente que se dedica a denostar a ciertos artistas que desde hace un tiempo ya no están a la altura de sus cualidades artísticas, pero en cambio en el pasado lo fueron todo. A mi parecer es una traición a tus principios, la música tal como la entiendo se le debe un respeto, por poco que te hayan ofrecido es mas de lo que podrás devolver en la vida. Días, semanas, meses y años de regalar sensaciones, si lo piensas fríamente, no vas a encontrar nada en la vida que vaya a dar tanto sin pedir nada a cambio. Una de las grandes cosas sobre el arte es que a medida que creceya sea una pintura, una pieza musical, un libro, una película, o lo que sea, crece contigo. La forma la cual se interpreta y se relaciona a él puede cambiar a medida que envejeces y adquieres más experiencia en la vida. Yo he crecido con algunas obras de arte, son parte de mi esencia. Entonces como voy apartarlas de mi? Quien apartaría de su lado a un padre que con el paso de los años empieza a notar el envejecimiento y no es el mismo cuando tenia 25 años menos? Todo es biología. Crecemos y evolucionamos de buena o mala manera, pero nada ni nadie podrá quitar lo que fuimos. Todo son principios. Quien quiera regalar sus ilusiones allá él, yo no soy así.
El debut de Mark Lanegan está lejos en comparación con lo que él mismo ha sido capaz de construir junto con Screaming Trees; mientras la banda se movía a través de un fuerte rock psicodélico y rock ácido, en solitario se caracteriza por un aire de composición mas suave en una considerable evolución al Blues (de la obra maestra "Buzz Factory" hasta el final "Dust"), la poética visión de la vida de Lanegan en solitario siempre ha sido permeada por un estado constante de reflexión solitaria de oscuridad. Tanto términos de prolificidad (cinco álbumes en trece años) como todo lo que abarca en términos de emociones derramadas, la trayectoria artística de Lanegan, inevitablemente, se ha visto obstaculizada por problemas de todo tipo desde, el constante estado de confusión del autor que hizo la tramitación del segundo álbum "Whiskey for the Holy Ghost" un verdadero calvario, casi rozando el fracaso de Subpop, cuya precariedad económica impedia con sus condiciones un desarrollo de las grabaciones, y aunque el álbum debut "The Winding Sheet" no era inmune a la inseguridad y los obstáculos, Lanegan inicialmente no quería grabar un disco, sino un EP de versiones de blues, la formación original debería haber incluido a Kurt Cobain y Chris Novoselic, pero la burocracia musical obligo por problemas contractuales a limitar la presencia a dos temas, con los nombres cambiados de Kurdt Kobain y Crist Novoselic. Era la era pre-grunge más sólida y convincente.
Acompañado por el talentoso multi-instrumentista Mike Johnson, más tarde el bajista de Dinosaur Jr. y asistido por Jack Endino entonces bajista de Babes In Toyland, Lanegan da forma a los miedos ancestrales, devorando el abismo de la soledad; nada está vivo en el paisaje de escombros en la inicial, "Mockingbirds" es terrible el estado desolador en que Lanegan es plenamente consciente "You can’t kill what’s already dead...". La pérdida de un recuerdo doloroso y sofocado por un contaminante tóxico posterior "Museum", o la narcolepsia de "Undertow" y la abrasadora "Ugly Sunday" no son diferentes. Totalmente eléctrica es "Down In The Dark", el único episodio que, idealmente, se vincula a la ruta trazada por los Screaming Trees, reforzada por los coros de Cobain.
Como resultado, las canciones son personales e introspectivas, centrándose en preocupaciones más serias, con la naturaleza acústica permitiendo más atención en las letras. Letras bañadas en alcohol exponen noches oscuras del alma como las de Lanegan, en crudas batallas de sus demonios internos, ya sean físicos o emocionales, químicos o sexuales luchando siempre por superarse, pero a menudo en el fondo de una botella. Muchas similitudes entre este álbum y el Unplugged de Nirvana algunos años más tarde. Hay una buena razón. Se notan las raíces de la actuación acústica de Nirvana basadas ​​en las sesiones de blues con Lanegan. Sin embargo, vocalmente, es espeluznante.
El estilo vocal de Lanegan no sólo formo el enfoque que daria Cobain, sino también el de Alice in Chains con Layne Staley. En "Down in the Dark", la naturaleza acústica se ajusta temporalmente al lado más profundo, más pesado, impulsado las voces. Nunca contento de escribir letras simples, llanamente transmiten una historia, los temas de Lanegan son verdaderamente poemas. Canciones de un hombre en guerra con su propia alma.
"Where Did You Sleep Last Night", originalmente llamada "In the Pines", tiene sus raíces en el folk y se remonta a la década de 1970. Con tantas alteraciones líricas como artistas que la han interpretado, la canción cuenta casi universalmente con un personaje femenino y por lo general acusada de hacer el mal, a menudo algo de naturaleza adúltera. La canción cuenta los celos y la rabia casi hasta al punto de un verdadero horror y de tragedia. En la versión de Lanegan, los celos no parecen encajar. Las letras comienzan preguntando donde fue la chica la noche anterior. Su respuesta: "In the pines… where the sun don’t ever shine" sería suficiente para permitir la sospecha; Sin embargo, la estrofa final ofrece la gran revelación. "Her husband… his head was found… but his body never was found" parece sugerir que el protagonista de la canción pudo haber enterrado a su marido asesinado. 
Esencial, incluso me aventuro a decir que es uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Las fotos del album no dejan indiferente,  Lanegan en la penumbra, y una masa borrosa que es difícil distinguir entre los restos humanos deartista.


Sergio Verdiell

Puntuación *10/10

martes, 21 de octubre de 2014

 STAR ANNA & THE LAUGHING DOGS
"ALONE IN THIS TOGETHER"
Monkeywrench Records
2011



Hace escasos días un periodista que había trabajado como critico musical me dijo, que mis reseñas estaban muy bien, que eran muy pasionales, pero en cambio no servían para revistas, en realidad, es algo que ya sabía, pero parece que a veces necesitamos que alguien venga y te diga las verdades sin tapujos y a la cara para acabar de creertelas. Según él, decía que me extendía demasiado en las introducciones y que daba poco carácter critico. Quizás otro se lo hubiera tomado mal, yo, en cambio, me lo tome como la mejor noticia que podía darme. He conseguido el propósito que buscaba, el de apartarme totalmente de todo el mundo critico\musical e insípido que ofrecen el 95% de sitios y escritores que se auto claman como "especializados" y no son mas que hedonistas sin almas (prefiero mil veces antes un Blog de cualquier aficionado a la música que una web elitista). He conseguido hacerlas mías, personales como las que más, he conseguido unir mis experiencias vitales y existenciales con lo que he sentido, siento, he vivido y sigo viviendo. Estoy convencido que la gran mayoría no le interesan, supongo que a nadie le gusta saber si estoy triste o alegre, al fin y al cabo si alguien se pasa por aquí es para leer sobre música y no sobre mis paranoias o si en el pasado este disco me hace recordar ciertos momentos o personas. Pero, me parece que hay que dar mas importancia al lado romántico, el lado que no se cuenta nunca por pudor a ser descubiertos que tenemos una sensibilidad que la gran mayoría desconoce, el lado que te hace remover las tripas, creo, que hacer simplemente una reseña remarcando solamente los estados técnicos es como comerse un caramelo con el envoltorio, lo dulce y lo esencial está dentro.

 
No querías caldo? pues toma dos tazas, introducción sin venir a cuento jaja. Una introducción tan poco convencional como el disco de hoy. No mucha gente puede presumir de tener entre sus fans a Mike McCready y Duff McKagan. Star Anna puede hacerlo, pero ni siquiera lo piensa ni tiene alardes. Este es su tercer disco, la chica es nacida en Ellensburg (un pequeño pueblo de Washington) recientemente a emigrado a Seattle donde es mucho mas acogedor, para poder sacas las uñas y sacar el polvo de su alma de rock. Una voz áspera, fuerte y decidida, que recuerda a Joan Jett; un grupo bien engrasado de canciones que, si por algún giro de las corrientes del éter o marinas, nunca deben llegar a ninguna emisora FM española, pero me sirven para escucharlos de trayecto diario al trabajo diariamente en un mundo que adorna el silencio.
"Alone In This Together" es un alto voltaje a un viaje emocional, profundo e inspirado, con picos de intensidad "Shine", "Just Leave Me There", resalta el olor de corazones rotos "For when i go" , baladas que afectan directamente a los estómagos gracias a la magia de los solos de guitarra de McCready "Alone In This Together", la melancolía y el desencanto "Bird Without Wings","Gold and Silver" se disuelven en la esperanza "Don't Got Yet", la determinación de "Wolves In Disguise ".
La primera palabra que viene a la mente después de escuchar este disco es la sinceridad. Un dote no común hoy en día, a menudo empujado a un lado para dejar sitio a otros aspectos mas sin importancia. Las piezas de Star Anna son reales, genuinas, y al escucharlas no puedes evitar pensar en lo que dice. Y que, tal vez, deberías creer también.




Puntuación *8/10

Sergio Verdiell

viernes, 17 de octubre de 2014

NICK CAVE & THE BAD SEEDS
"THE BOATMAN'S CALL"
Mute Records
1997



¿Hasta que punto estamos influenciados por la música? ¿No os habéis preguntado alguna vez qué tipo de personas seriáis sin ella? Quizás, por mi tendencia romántica de las cosas que me apasionan, es una visión un poco fantástica la pregunta y en realidad nunca llegaríamos a hacer un cambio tan radical, pero si es curioso ver gente de tu misma índole generacional con vidas tan dispares a la tuya cuando justamente las inquietudes musicales que albergáis también lo son. Creo, que todos los que estamos sumisos a esta secta llamada música nos da pie a tener una filosofía mucho mas profunda de las cosas que nos rodea en la vida, llamarlo sensibilidad o como queráis, pero creo que gran parte es así. Luego está el lado emotivo y nostálgico, la que te hace sentir momentos especiales, como escuchar a un grupo y teletransportante en alma a la fecha la cual te marco para siempre, y por último la que por razones que desconocemos llega gente un tiempo limitado en nuestras vidas para que simplemente vivan eternamente en ciertas canciones, artistas o discos. Es curioso como puede dar tanto juego la música verdad¿? pero a las pruebas me remito, todos estos ejemplos que intento explicar de esta forma son para que podáis entender que no para todo el mundo la música es un simple pasatiempo que ayuda a paliar una tarde de domingo de simple aburrimiento o un acompañante de autobús de trayecto de casa al trabajo o viceversa. Aquí hablo de algo intangible pero existente, algo que sondea por tus venas, por tu piel y tus órganos vitales y que te hace llorar y te hace sentir hasta hacerte cambiar.
Muchisimas veces me he preguntado que disco podría ser la banda sonora perfecta para el final de un amor. El acompañamiento musical perfecto para destacar la muerte de un sentimiento. ¿Ese disco que escuchas con el objeto del deseo de tratar de apaciguar ese momento de dolor y que trae mas el lado masoquista que el de la propia luz, los recuerdos, las noches apasionadas cuando dijisteis ese "para siempre"
Este es un disco profundo y sentimental, un disco con algunos temas que son la clave de lágrimas desatadas "people ain't no good ". The boatman's call, por extraño que parezca, es uno de los álbumes qué a aún no se han revisado en La Silla Enfadada, un álbum que es sin duda mi favorito de Nick Cave, uno de los más íntimos, el más delicado y amargo , una historia de amor y su final, la búsqueda de un dios que es capaz de aliviar el dolor de la pérdida de lo que parecía absoluto, infinito y especial. Todo muere inevitablemente, pero a menudo nos morimos prematuramente debido a la pereza o la falta de deseo, porque somos hijos de un mundo desechable, que nos enseña a pisotear los valores más primitivos, a renunciar a las primeras de cambio, y no luchar más que por las cosas buenas que nos ponen en el tiro.
The boatman's call, es el álbum donde la furia y la locura, se mezclan con la cultura más tradicional de un crooner. Es un álbum terapéutico e introspectivo en que Cave desata después de un divorcio y un sinnúmero de vicisitudes personales, en él se encuentra la meditacion profunda sobre el significado de los conceptos más puros y a la vez mas complejos: el amor, la muerte, la fe, la racionalidad, el odio. "And I don't believe in the existence of angels, but looking at you I wonder if that's true" "Into My Arms".
Es un continuo cuestionamiento interior, el cuestionamiento de no tengas miedo de mirar dentro y admitir tus debilidades, un hombre, un padre "
Far from me", todos somos igual de miserables y mortales como los demás. La belleza de las canciones, con su hibricidez (¿Existe esa palabra o me la acabo de inventar? jeje) las dulzuras y las amarguras han sido a menudo mis compañeras en las ultimas noches melancólicas de estos años. Me han hecho sentir menos solo, menos estúpido. ¿Por qué sufrimos todos y cada uno sufre de algo que los demás no vemos tan importante?. Estamos acostumbrados a enfocar nuestro dolor, en nuestro sentido de ser "únicos" a causa de este dolor. Y al mismo tiempo, en nuestra fragilidad podemos ser devastadores, hacer un daño inmenso a los que nos aman, obviamente preferimos matar que de ser muertos o ser victimas, a menudo adoptamos la maldad de los que tratan de sobrevivir al dolor. El amor y la muerte, que siempre fueron juntos y que cada vez más confundidos entre sí.
El álbum habla de esto, una historia de un hombre que resume la primera mitad de su vida, su papel en la sociedad, sintiéndose inmensamente pequeño pero cargado de sufrimiento, y de esa enfermedad que ofrece el amor a él y a los demás.


 

Puntuación *9/10

Sergio Verdiell

jueves, 9 de octubre de 2014

 NEIL YOUNG
"MIRROR BALL"
1995
Epic/Reprise




A veces, las sensaciones intensas que uno siente cuando es adolescente no son producto de la edad como algunos pueda pensar, ya sabéis, quizás ese amor que tuvistes y todavía recuerdas no era simplemente un amor o un capricho pasajero, creo que con la música sucede lo mismo, bandas, cantantes, canciones son ejemplos claros que hay momentos que te marcan y te moldean para siempre. Desconozco si mi caso es aislado, pero dentro de mis pequeñas fantasías e ilusiones de adolescente (nunca fui un niño soñador y si muy racional, algo que jamas me gusto, pero cada uno nace como nace), siempre supe al 100% muchas cosas como debían ser en mi vida y que jamas iba a renunciar con la edad, posiblemente lo que mas seguro estuve fué que la música iba a ser compañera mia de viaje para el resto de mis dias.
La grandeza de un músico como en este caso Neil Young, no solo mide por la innegable clase de sus obras, sino también, por no haber fosilizado los estereotipos musicales. Y puede decirse que Mirror Ball es el álbum que confirma la regla. La imagen todavía está firmemente arraigada en la mente de muchos, la de un cantante triste y solitario en "Harvest" (1972), o la del cantautor de voz suave de "Comes a Time" (1978), o el viejo bisonte que combate "Rust Never Sleeps" (1979). Aunque, sin embargo, durante el transcurso de los 70s Neil Young había intentado varias veces redefinir su papel en sus elecciones artísticas como humanas. No se debe olvidar que en el momento de esos registros también fueron aclamados "Time Fades Away", "On The Beach", y especialmente "Tonight's The Night" siendo parte del funeral del canadiense en esa década. En los años 80 y posteriores, la tarea consistía en demoler la popularidad que se derivaba de ese pasado tan glorioso. Para Neil se convirtió en un reto personal para demostrarse a sí mismo que todavía era capaz de hacer buena música sin ser complice de su pasado. No es ningún secreto decir entonces que desde siempre me gusto Neil Young y Pearl Jam, o viceversa. Ya en 1993 en los premios de la MTV el grupo fue invitado al escenario a tocar una versión con Young de "Rockin' in the free world", dos años mas tarde en 1995 cuando Neil ingreso en el salón de la fama Eddie Vedder tuvo los honores de ofrecer sus palabras al publico declarando a Neil Young como "un gran autor, un gran artista, un gran canadiense y demostrado constantemente la pasión de un artista que entiende la autorenovación como el único camino para evitar quemarse". Por lo tanto, era inevitable que esta sociedad de mutua admiración iba a convertirse en un álbum conjunto. Aunque Young es el socio dominante en "Mirror ball", después de todo, el concepto, las canciones y el álbum son su saco de harina, Pearl Jam son en última instancia los que determinan la forma y el sabor del disco, proporcionando un nivel de ideas y energía que va mucho más allá del límite para un grupo de apoyo. La unión con Pearl Jam fue una nueva fórmula en estudio, porque en vivo ya fue probada. De hecho, el trabajo del disco es el resultado de una serie de reuniones en el escenario desde la gira con Booker T & the MG en 1993.
Aqui no solamente nos encontramos con una cuestión de estilo de música, porque tenemos casi una diferencia generacional en el trabajo. Crazy Horse se revuelcan en el exceso de ácido amplificando la grandeza del rock, en cambio, Pearl Jam prefieren la belleza natural del punk anfetamínico de su propio minimalismo. Young, sin embargo, se siente fascinado por las dos mitades de este pedazo de historia. El padre y sus hijos, el maestro y sus mejores estudiantes. Las neurosis de Rust Never Sleeps, fueron tomadas como modelo por el movimiento grunge, nacido en Seattle bajo los auspicios de SubPop y Geffen antes de esa fecha.
El álbum está perfectamente en línea con los tiempos de los años 90, descrito por los críticos en términos inequívocos como un "trabajo grunge." Canciones impregnadas por riffs potentes, las canciones alisan y redondean los bordes creados por la música de las bandas de Seattle. Escuchar "Act of Love", parece un descarte del Ten. El sonido de este álbum es completamente diferente de aquellas obras inspiradas como "Harvest", mucho más compacto y simple, pero de dónde salieron las canciones como "I'm the ocean", "Peace and love", o" Downtown". El impacto del sonido es crudo, pero al mismo tiempo poderoso y bien estudiadopiezas entre dulces y lentas y a ratos agresivas, acercándose al estilo de Pearl Jam en Vitalogy, la aparición de Neil se mantiene inherente, pero esto sólo es una prueba mas de lo espectacular del álbum. 
Como dato importante hay que decir que no es incluido el nombre de Pearl Jam en el disco en ningun momento, solamente en la portada leemos nombres como Mike McCready, Stone Gossard, Jeff Ament. Neil todavía nos sorprende con su fantástica voz, esta vez acompañada por Eddie Vedder en un matrimonio grande. ¿Quién hubiera pensado que la colaboración entre él y Pearl Jam podría traer una llamarada de energía a los conflictos de la vida con un trabajo que dio nuevos aires a un género destinado a morir. Sólo una canción aparece en los créditos, Peace and Love es cofirmada con Eddie Vedder. Hay que tener en cuenta que Neil, en ese momento estaba tratando de hacer un disco junto con REM y que no se materializó por problemas contractuales. Por lo que es fácil de entender la realidad de que Pearl Jam no aparezcan oficialmente, en lugar de tener el nombre grabado con letras de oro en la portada, lo que habría hecho sin duda de este disco en uno de los más importante de la historia. Hay que recordar que siempre habrá la aprobación de esta tesis, y fue con el EP Merkinball, lanzado por Epic Records y esta vez si, firmados por Pearl Jam con dos canciones que nacieron durante las sesiones con Neil, signo irrefutable de que esta alquimia hubiera funcionado y habría producido obras maestras de mucho mayor calibre, escucha por ti mismo y estremecete como pocas veces has hecho con "Long Road", escrita por Vedder, y en el que la mano de Neil es evidente. Entre otras cosasse realizó un dúo con Eddie, en el Tribute To Heroes, una versión que desarma a la belleza. Este single también se convirtió en "Disco de Oro" y vendió 500.000 copias. Otra particularidad del disco es que es trae su opinión a colación al escrito de Pearl Jam en la portada "Neil, eran los buenos viejos tiempos", en memoria de esas sesiones. En definitiva, un disco que no puede decepcionar ni debe faltar en ninguna colección de ninguna casa.


Puntuación *9,9/10 (La falta de décima es por la falta del nombre de Pearl Jam en la portada)

Sergio Verdiell 

Blogroll

Flag Counter