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lunes, 21 de diciembre de 2015

LUDOVICO EINAUDI
"UNA MATTINA"
Sony Classical
2004 

 


Si hay algo por la cual me gusta tanto la música es por sus letras que en muchos casos son superiores a los mejores poemas jamas escritos, pero tambien es cierto que una melodía puede ser mejor que una letra susurrada, esas melodias que te hablan y te mandan mensajes son autenticos mensajes de estado de animos, que te dan consejos y te hacen reflexionar, por eso mismo escuchar siempre a Ludovico Einaudi es como escuchar una especie de banda sonora para el otoño, que es de agradecer, porque cada vez que camino fuera de mi zona de confort me recuerda que lo necesito, y lo necesito porque a veces es mejor sentirse en otro mundo que en este. Y al escucharlo detenidamente me doy cuenta que jamas se deberia cambiar lo que más quieres en la vida por lo que más deseas en el momento, porque los momentos pasan, pero la vida sigue. Y aunque a veces todo se rompe en mil pedazos y desaparece todo resquicio de esperanza es demasiado tarde para olvidar por completo. Uno se consuela diciendo que olvidarás, que el tiempo lo cura todo, pero el tiempo pasa y sigues echando de menos. Conoces otras cosas y sabes que en el fondo nunca seran iguales. Que por mas paginas que pases las historias escritas perduran para siempre.
En el contexto de la música, la palabra clásica se arroja tabú hoy en día por la gente que escucha culturalmente otro tipo de música (ya sea Metal, Pop, Rap...) y no puede casar oficialmente porque estan en diferentes planos existenciales socialmente. Qué tipo de música hace Ludovico? Pues música de piano, y de hecho todo el género de la clase de música instrumental denominado clásica, no difiere mucho del pop contemporáneo, rock y hip-hop, según el artista, se puede apreciar desde un punto de vista melódico o desde un punto de vista técnico. Entender esto es clave para disfrutar de la música de Ludovico Einaudi. Hay que entender porque digo estas palabras, en Inglaterra, la tierra santa de la música pop, este disco de Ludovico Einaudi debutó en el número 1 en las listas en poder de la música clásica, ofreciendo gratitud a un músico de clase que tenemos ahora que considerar como uno de los mejores compositores que ha dado este siglo. Su música es capaz de trascender géneros y fronteras, hasta puntos nunca vistos. “Una mattina” es precisamente el testimonio de todo esto, acaricia el cielo con su estilo íntimo, pero disfrutando aún más de sus sonatas claras y profundas. Esta obra magnífica, titulada "Una mattina" incluye 13 canciones con su ADN, escritas a base de piano y violonchelo. Una cosa es cierta, es una música capaz de despertar emociones intensas, como debe ser. Quizás, la mejor forma de resumir este álbum seria poniendo unas palabras de Ludovico opinando sobre su trabajo: "Yo diría que es una colección de canciones unidas por una historia. Pero a diferencia de otros álbumes pertenecen a una época remota, este es como hablar conmigo ahora, de mi vida, las cosas que me rodean".
Ahora mismo que estoy escribiendo estas lineas el sol ilumina la sala de estar y veo las nubes pasar lentamente como buques en el cielo, escuchar "Nuvole Bianche" para mí es igual que abrir una puerta. Y más allá del umbral de la puerta están los amplios interiores de las sensaciones. Tal vez tengo una percepción visual de la música como una viva imagen. Ciertos sonidos de Mozart, por ejemplo, para mí son igual de claros. Es identico que estar en un paisaje con los ojos puestos al sol. Pero sea cual sea la percepción musical, hay que tener esta experiencia! 

10

miércoles, 4 de noviembre de 2015

                                                                     KRAFTWERK
                                                             "Die Mensch-Maschine"
                                                                             EMI
1978



Hay quien se atreve a aventurar que Kraftwerk ha sido la banda más importante del siglo XX, muy por encima, en originalidad e inventiva, de super grupos como Pink Floyd y los Beatles. Eran esenciales porque han sintetizado la tradición musical desde Bach a Elvis, dando lugar a un nuevo sonido: la electrónica. En la historia humana ha habido un siglo de cambios. La industria agrícola a evolucionado a alimentos transgenicos, la cultura popular se ha convertido en arte y las necesidades diarias se han convertido incidental, estados soberanos han abordado en un duelo y luego amorosamente abrazado, hombres y mujeres han roto las cadenas, las ideologías han dado lo mejor y lo peor de ellos, la cultura ha vivido momentos de profunda oscuridad y cita florida magnificencia. Todo y lo contrario de todo. Los cuatro genios de Düsseldorf han tenido a bien poner música en esta sociedad tecnológica en constante cambio y llevarlo a la consecuencia extrema y lógica: la deshumanización.   "The Man Machine" es una obra maestra. Las notas emitidas ya no provienen de los instrumentos, sino de aparatos electrónicos, que sustituyen al hombre porque son mejor que él, más racional, carentes de humor, solamente el instinto, más mecánico. "The Robots" es la poesía fría de los autómatas en movimiento en una solemne reunión de hombres-máquina lista para moverse al unísono. "Spacelab" es en cambio el laboratorio espacial donde los robots construyen desde cero sus apéndices y a sus congéneres todavia mas perfectos reemplazando al hombre en todas las facetas: en este caso con síntesis de sonido, sintetizadores de voces y cajas de ritmos. Todo es nuevo en este disco, inédito, moderno, incluso demasiado moderno para parecer futurista. "Metropolis" anhela esa ciudad en estado de agitación perpetua, con el vuelo de coches y edificios con completa automatización. Hay que entender que los seres humanos han deshecho demasiado tiempo para ellos a lo largo de la historia, ahora es el momento de pasar el testigo a las máquinas. Con "The Model" entramos en el discurso cultural que requiere los objetos, las personas y las artes como meros productos de consumo, en una economía que crea necesidades para satisfacer su sed de crecimiento, una empresa que envuelve sus productos para producirlos todavia más atractivos. Por otro lado, "Neon Lights" es el análogo de la melancolía del que mira la occidental ciudad invadida por el neón como una serie de deslumbrantes luces que llenan los ojos brillantes; en esta canción asombro al nuevo mundo despierta ansiedad sobre el futuro de la vida humana, la reducción de nuestras perspectivas a los requisitos funcionales de la madre máquina. Por último, el tema que da título trae un incomparable hombre-máquina del fundamentalismo, se coloca en el altar del milenio, el simulacro de una raza superior que crea la perfección tecnológica de la Tierra y que, por tanto, se puede prescindir de la perfección de Dios.  
Gracias a gente como el Sr. Ralf Hütter, Florian Schneider-Esleben, Karl Bartos y Wolfgang Flür que la música de hoy en día todavía está viva y llena de estímulos e influencias, lista para el nuevo y desconocido "The Man Machine" que ayudará al mundo a no privarse de nada, a creer en el progreso tecnológico y en la razón, pero también hay que alertarse sobre los peligros del exceso de esta automatización. Si realmente queremos una generación de hombres mejores, tenemos que ser capaces de combinar el desarrollo y la humanidad, la producción y la solidaridad. 

10


domingo, 1 de noviembre de 2015

CITY CALM DOWN
"MOVEMENTS" EP
2012 


¿Sabéis cual es el lugar donde podeis encontrar la mejor reseña sobre un disco? Tenerlo claro que no esta en Pitchfork, ni en NME ni en otros sitios de similar contenido, ni mucho menos en este Blog. Esta en vuestros reproductores de MP3 o en tal caso en vuestras bandejas de CD. Ser autocritico es la mejor forma de valorar aquello que te hace despertar un cosquilleo interior. Nunca me a gustado discutir sobre opiniones músicales, porque por suerte la música es parte de un arte individual y unico.
Hoy nos llega este grupo venido de tierras australianas, una mezcolanza de indie y synth juntos para hacer una especie de post-punk o de sonido new-wave de lo mas atrayente. Una banda desterrada de las grandes ligas donde juegan otras como The National o Interpol por poner dos ejemplos. Ellos estan en ese limbo sonoro en algún lugar entre Cut Copy y Joy Division, que decir que tienen ese tinte de música de baile de los 80. Las letras circulan alrededor de la idea de tomar riesgos en la vida, así como lo que yo percibo como la existencia un tanto egocéntrica del estilo de vida occidental del siglo XXI. Creo que todos estamos atraídos en actuar de esa forma para que todo inmediatamente nos satisfaga, el ejemplo de esto es la canción "Pleasure and Consequence". El problema es que la banda suena excesivamente prudente. Las cosas son tan limpia, tan medidas, que no se encuentra ese anhelo de algunas asperezas. Son una banda emergente, y tienen todo el tiempo del mundo para realizar himnos atemporales sobre el existencialismo. Solamente hay que esperar unos dias para salir de dudas con el nuevo LP "In a Restless House". Aqui os dejo un pequeño adelanto:



sábado, 31 de octubre de 2015

 THE CROW Score
Soundtrack
Graeme Revell
1995



Antiguamente se creía, que cuando alguien muere, un cuervo se lleva su alma a la tierra de los muertos. Pero a veces, sucede algo tan horrible, que junto con el alma, el cuervo se lleva su profunda tristeza y el alma no puede descansar. Y a veces, solo a veces, el cuervo puede traer de vuelta el alma para enmendar el mal.
Dicen que el amor verdadero solo ocurre una vez en la vida, y lo sabes porque te pasas el resto de la vida intentando y buscando que alguien te haga sentir igual. Luego esta cuando pierdes a alguien, y sabes que lo has perdido para siempre porque es imposible que vuelva.
Ese día que pierdes a esa persona amada sientes morir tu vida, ya es demasiado tarde para volver atrás, tarde para volver a verla, solo sabes que nunca más volverás a tenerla, ni que nunca más la abrazaras, ni la volverás a decir un te quiero, en ese momento crees morir. Luego está la gente que cree que no es necesario recordar a los que te rodean lo mucho que les quieres. Hasta que te das cuenta que es tarde y te arrepientes de no haberlo hecho ahora que ya no están. Te preguntas por qué mereces esto, no es justo, porque se marcha de tú vida alguien cuando solo albergas amor y ternura por esa persona? No puedes despedirte de ella y decirle que la echaras de menos eternamente. Lo que no sabe la gente es que yo tuve una época que lloré como nunca, creo que nunca en la vida he llorado tanto una pérdida como esa. A día de hoy aún la gente piensa que no me dolió perder esa persona, pero ahora mismo, justo ahora, las lágrimas que me caen por la mejilla no muestran eso. Cada día que pasa de mi vida sigo recordándola, no pasa un solo día que no este en mis pensamientos cuando me voy a dormir. A veces, me gustaría volver un tiempo atrás para que todo estuviese como antes, quizás así podría haber sido más feliz este tiempo, haber crecido de diferente forma. Y ahora miro alrededor y me doy cuenta de que me siento igual que como hace 5 años y tuve que resignarme a no tenerla, aunque vuelvo a revivir muchas sensaciones de por aquel entonces desde hace 1 año, sé que en el interior de mi aún la estoy buscando. Desde entonces, a lo largo de mi vida he ido conociendo y perdiendo a más gente, unas pérdidas más dolorosas que otras, pero solo hay una perdida a la que sigo llorando, y es esa. Y es que nunca se está preparado para perder a alguien a quien quieres de verdad. Y estoy convencido que por muchas personas que conozca, nunca te voy a volver a encontrar.
La primera vez que compré este disco, lo hice con la emoción vaga de lo que iba a escuchar. En mi mente, la banda sonora de la compilación de rock alternativo con música de The Cure, Nine Inch Nails, Pantera, Stone Temple Pilots, ect. era el verdadero espíritu musical de la película, y yo de ninguna manera esperaba que este álbum evocase la mismas emociones. Sabia del talento de Revell, pero jamas imagine tal cosa como esta, hasta que escuché este Score de "The Crow", sin embargo, entonces supe de la grandilocuencia de este album. Todo sobre el Score es brillante. Puedo decir con toda sinceridad que esta música y la película son inseparables, ambos se complementan entre sí por igual. Las canciones son sabiamente secuenciadas y fluyen juntas como la precisión artística de un reloj suizo. Es un baile de sintonías con todos los elementos, el romance, la muerte, acción, drama, tragedia gótica... un computo de lo mas atrayente, Revell parece haber creado un tema para cada emoción retratada en la película. "Birth Of a Legend' abre el disco con cantos ominosos y cambios extraños en la armonía, y es el preludio perfecto para las intensidades dramáticas que van a ser escuchadas. Es seguida por el tema escalofriante "Resurrection", que recuerda el instante de la primera aparición hipnótica de Brandon Lee.
Tercera en la línea del album es "The Crow Descends ", se escucha durante la muerte de Tin Tin. Entre los mejores temas son quizás "'Pain and Retribution", un clásico de música de coral que se ha usado en algunos cortes de promocion del cine como en "El sexto sentido". "Return to the Grave",  es la versión más completa sobre un tema de amor, lo que demuestra que la música para un clímax orientado al amor puede ser tan sensacional como emocionante. Vale la pena señalar que todos los temas son buenos, sin embargo, por lo general, el disco solo progresa alrededor de voces angelicales y fantásticas flautas y órganos, pero Revell experimenta estilísticamente lanzando instrumentos diferentes en la mezcla. Hay incluso un par de interludios de saxo y algunos solos de guitarra energéticos, que sin duda harán manivela en tu volumen para toda su capacidad. Es bastante obvio que Revell allanó el camino para muchas partituras del comic a la película que vendría después. En definitiva, se trata de un álbum innovador en términos de música instrumental se refiere. 
Solo quería que supieras que fue un error equivocarme contigo y por ti. Por que siempre seras inocua, atemporal, etérea y perfecta. No eras nada del otro mundo pero si eres lo mejor de este. 
Al final, todo era verdad aquello que hablamos tantas veces de que los edificios arden, las personas mueren, pero el amor verdadero es para siempre.

10 

 

miércoles, 28 de octubre de 2015

 LOU REED
"TRANSFORMER"
RCA Records
1972


No viene mal recordar este album justo ahora que se cumplen sus 2 primeros años desde su muerte. La historia de la música cuenta que "Transformer" es el último gran álbum clásico con carga simbólica e icónica. Partiendo de esta premisa, sin embargo, nos lleva completamente hacernos la siguiente pregunta. ¿Realmente qué ocurrio con la discografía del cantante después de este disco?. Con "Transformer" Lou Reed tiene un éxito comparable con la Velvet, por primera vez no causa debate las contradicciones de su bagaje artístico, con un pop más provocativo y abrasivo, entregando canciones autosuficientes y finamente estructuradas. Parece que no importa lo grande o lo pequeño que un artista es, siempre hay una canción por la cual será recordado como la archifamosa, "Walk On The Wild Side". Una canción sobre travestis y el resto de la ciudad de Nueva York y la escena de Andy Warhol de la época, y que Lou era una parte de ella, este se convirtió en su único gran éxito real; sin embargo, hay tantas canciones fantásticas en este álbum que es dificil quedarse solo con una.
La historia la conocemos todos. Hablar de Lou Reed es difícil. Así como hablar de cualquier artista en la fase más delicada de su carrera, pero con la debida agravante que ésta estaba en frente de uno de los mayores portadores del eclecticismo de la historia. Dos años antes, The Velvet Underground se fue al traste por los conflictos internos, la baja rentabilidad económica y ambiciones irrealizables. El primer álbum en solitario del mismo nombre de Reed es un desastre en términos de ventas como de profundidad artística. Entre los pocos admiradores del cantante David Bowie es, sin embargo, una joven estrella británica que está conquistando el mundo con su pop rock lascivo y decadente, inspirado en Bolan, el simbolismo francés y, en particular, a las obras de la Velvet Underground y los Stooges. Bowie propone a Reed trasladarse a Londres para volver a intentarlo. Aunque no se le atribuye ninguna de las pistas a Bowie, la influencia creativa es clara, ya que proporciona muchas direcciones necesarias a las ambiciones de Reed, con unos previsibles espléndidos resultados. La voz de Reed y la guitarra rasgada siguen siendo los temas primordiales del registro, canciones como 'Perfect Day ", sólo podrían haber sido traídos a la mesa por Bowie, y tiene el curioso efecto de mejorar uno de los músicos con menos glamour de la época.   Yo diría que para los críticos, Transformer representa ese curioso lugar donde el arte se reúne con lo comercial y se las arregla para escapar ileso. Transformer marcó el principio del fin de Reed como una fuerza en el complejo de la música. Berlín, el próximo disco que realizó, fué un álbum que originalmente no fue tan bien recibido, aunque ha ganado mucho terreno desde entonces, y todo lo posterior continuó sin llegar a apagar ningun fuego en la música (Momento para recibir palos). Así que tengo que preguntar, necesitaba Reed un copiloto? ¿Necesita un Bowie o Mick Ronson en su estudio para ayudarle a moldear su mejor música?  Lou era uno de esos tipos que escribia las letras porque realmente las sentia, y en este álbum se palpa toda esa sensacion frenética, de travesura y majestuosidad que vivia justamente en esa epoca. Es el tipo de música que los predicadores de las iglesias de los domingos te advertirian a mantenerte alejado de ella, pero en realidad, si te gusta la música rock, lo que buscas es el efecto contrario, sentirte lo más cercano a este sonido como sea posible, y pocas cosas son mejores que este Transformer!

10


martes, 27 de octubre de 2015

ZERRA I (One)
"MOUNTAINS AND WATER"
Mercury
1984 


Una mezcla de Post Punk del inicio de los 80 + influencias notables como seguidores de sus compatriotas Irlandeses U2. La verdad es que no suena mal la mezcla, verdad? pero no siempre la misma formula del exito sirve para todos, en este caso se dice que ellos fueron un intento fallido como copias de U2, en mi humilde opinion, poseian demasiado talento para ser considerados copia. En realidad no conozco casi nada por no decir nada sobre la historia de la banda y me ha sido imposible buscar una biografia mas alla de lo poco que se cuenta, que formaron la banda en el 82, y su sonido se basaba con teclados espectrales con una voz cantada (Paul Bell) que era como escuchar a un hombre con una soga al cuello, eso decian... Parece como si su propia historia hubiera sido olvidada, a parte de que sacaron 3 discos y acabaron desapareciendo a mediados de los 80. Pero me parece interesante recordar y descubrir de vez en cuando esas bandas perdidas, olvidadas y denostadas en los albores de la historia. Hay varios temas destacables como Tumbling Down, Ten Thousand Voices, The Other Side...como digo, es un gradisimo álbum. En Tumbling Down es como el lamento de un gobernante viendo su reino colapsado, la voz de Bell es extraña, sin embargo se hace dificil dejar de escucharla. Mi tema preferido sin lugar a dudas es Ten Thousand Voices, Bell parece capturar la voz de Bono de hecho se podria confundir fácilmente como una cancion de U2. Tristemente la existencia del grupo no fue muy larga, pero no hay duda de que su musica dejo un gran aporte para los que valoramos el Post Punk y el New Wave de los 80.

8

 

viernes, 23 de octubre de 2015

 PEARL JAM
"TEN"
Epic Records
1991


¿Nunca te ha pasado estar tumbado en la cama con los cascos puestos y Eddie Vedder recitandote a todo volumen y sin darte cuenta notas que estás llorando? Sientes un cosquilleo que te produce esa primera lágrima que se pierde en la inmensidad de la almohada, y sabes que no será la única. Intentas eliminarla y detenerla pero son demasiadas... y cuando no tienes ni fuerzas para limpiarte creo que estas muy jodido. Y así pasan los minutos, canción tras canción, flashback tras flashback.Y es cuando comprendes porque nunca nadie te dijo que una despedida se recordaría toda una vida. Esta va a ser una reseña muy personal, no pienso contar historias de la banda que ya se saben sobradamente. Y me refiero a la biografia de letra pequeña que contiene la banda sobre la historia y muerte de Wood, Mother Love Bone, Green River, Mookie Blaylock, Temple Of The Dog, etc...para eso hay un documental cojonudo llamado Twenty.
Douglas Coupland en 1991 denominó a la nueva generación de jovenes como la generación sin nombre, y para ello le asigno la letra X, ya que es el símbolo de la indefinición por excelencia, dando forma al perfil de toda una generación que a dia de hoy hombres y mujeres que superan los treinta años y que de repente descubren que los brazos de mamá y los días de colegio han quedado atrás, resignandote he intentado engañar el tiempo a la espera de una improbable jubilación. Es la forma de nombrar el vacío, un vacío de ilusiones y proyectos, vacío de historias, pasión y deseo, un vacío tan estéril como la inexistencia de vida, todo tristeza, todo sensibilidad y mucha insatisfacción. La generación de los perdedores decian, de los jóvenes que culminaban su educación y no lograban un espacio en la inserción social, puede que el mensaje suene a cadúco pero parece mentira que despues de 25 años nos encontremos igual, parece que la socidad solo avanza para lo que interesa, y lo demas lo deshecha.  
Y sí, pasan los años y nunca se aprende; parece que prefiero torturarme escuchando discos como este y guardarme todo para mi hasta que llega el día en que el vaso está demasiado lleno y, el agua se desborda y sabes que eso no puede ser bueno porque por cada gota que cae del vaso; una gota que sueltas tú por todo lo que te has callado. Es el disco para comprender que todos los dias buenos de tu vida han acabado, las buenas rachas, y que ya no hay nada que valga la pena. Intentas ver lo bueno de la vida, lo intentas, siempre lo intentas, pero aun asi contienes un tipo de vacío que cuando mas das no recibes nada a cambio y todas esas ilusiones y esperanzas se marchan con todo lo bueno. Un tipo de vacío que nada llena, ni cualquiera. Acabas harto que digan que hay finales felices, no lo niego, pueden haber miles pero parece que esos finales nunca serán compatibles contigo y por eso acabas alejandote de la gente. Parece que todo el mundo que llega a tu vida vida, se va. Llegan y al poco se marchan y te dejan tirado como un gilipollas preguntándote ¿por qué se van? ¿por qué a mi? Y a la larga te das cuenta que el único problema que existe debe ser uno mismo y lo entiendes; ...supongo que al final aprendes a vivir con ello. Al final, aprendes que lo que no te mata, te  hace más fuerte pero..¿sabes qué? A veces he pensado que prefería que me matase, que acabara conmigo porque al final uno acaba cansado de ser fuerte. Hay gente que al contrario que yo, cada momento que he pasado se han quedado un pedazo de mi, como canciones intemporales, pedazos que jamas volvere a recuperar ni quiero recuperar porque si lo hiciera seria perder para siempre a ciertas personas, incluso a gente que ya no volvere a saber mas. Y no hay peor muerte que el olvido. Tener una vida vacía es lo mismo que no saber por qué vives, ya que al no saber éste motivo no sabrás a dónde irás y al no saber a dónde ir no sabes qué hacer ahora, y puedes llegar a sentir un profundo vacío en tu vida. Quizas hay gente que cambia, yo se que no dejare jamas de ser un deprimido, de esos que acaban odiandose, que acaban harto de tener que fingir cada día que es feliz y que todo les va perfecto, intentas ayudar a todos y luego nadie tiene tiempo para ti, que por una parte queremos que alguien sepa cómo estas en realidad pero por otra no quieres molestar a nadie con tus problemas. Todo por culpa de esta podria vida llamada sociedad. ¿a caso os pensáis que Marilyn Monroe no pensaba cada día en el suicidio? ¿que Kurt Cobain no se consideraba un fracasado? ¿que Layne Staley o Mike McCready no se inyectaban heroína para huir de la realidad que les rodeaba? solo hay que ver la mayoría de las personas más influyentes de la historia actual han querido acabar con su vida, nadie es perfecto, en ningun sentido. Al final, se trata de como eres por dentro. y nunca dejaré de agradecer a Pearl Jam todo lo que me han otorgado en mi vida. Sois lo más increíble que he llegado a tener sin tener que dar nada a cambio. Ellos son la profundidad del alma, la inteligencia, la loca inmadurez, la sensata madurez, los miedos, la inseguridad, la valentia, la rabia, la imperfeccion y la perfección suiza; o lo que más se acerca a la perfección, en definitiva sois los que habeis tirado de mi mundo, cuando mas lo necesitaba.  




A veces, sin quererlo, se me va la vista a este disco que tengo en la estantería de mi habitación, ese que está cogiendo a veces polvo porque no tengo los cojones de volver a escuchar por el significado que conlleva. Ese disco que solía escuchar noche si y noche también cuando tenia 20 años y que, cuando lo escuchaba era como volver a recuperar todo aquello que habia perdido. Lo cogía, sonriendo, como si fuese lo más preciado de éste mundo y lo dejaba al otro lado de la cama. Era volver a suspirar con tan solo una canción. Aquellos dias, en esos momentos, sobraban las palabras, sobraba todo. Hoy, Ten vive y muere por sus canciones, cada una de sus estrofas llevan un mensaje, el mensaje de que cuando mas amas algo o intentas olvidar mas dificil es conseguirlo, más lo recuerdas y no porque quieras sino porque parece que todo te recuerda a eso. Canciones impresionables y deprimentes que describen la perdida y el suicidio como "Black y Jeremy". Black es la historia de una relación fallida, puede sonar cliché, pero la destreza de Vedder se convierte en una de las experiencias de escucha más terribles que jamás tendrás, 6 minutos de dolor emocional crudo, sin tregua en ningun segundo. Las letras te hacen sentir empatía con Eddie que cuenta la historia hasta hacerte sentir tan identificado como el hombre de la cancion, frases como "and now my bitter hands cradle broken glass of what was everything" te hacen sangrar de pura tristeza. No creo que a dia de hoy nadie no sepa que han representado Pearl Jam en los años 90. Ten es sin duda un disco que contiene la desesperación; y a veces se caracteriza por un gran deseo de tirar a la mierda todo lo que está mal. Pero todo esto se limita a coincidir con los estereotipos de este movimiento. Sin embargo, para obtener una muestra del grupo, sólo hay que escuchar el estribillo de "Once", que habla de un asesino en serie que cobra la vida a una prostituta. Hay un montón de toques autobiográficos. Como la más famosa canción "Alive", basado en sus memorables riffs de guitarra de Stone Gossard, la canción habla de la infancia difícil de Eddie. En tres versos Eddie resume una de las tragedias de su vida, nunca había conocido a su verdadero padre. O la psicodelica y envolvente "Garden" entre bambalinas de "Even Flow y Why Go" que hacen los momentos rabiosos y energicos del album, con unos riffs de guitarra pesados ​​como salidos del infierno, aunque si hay un tema del disco que me hace estremecer es "Release",  es una canción perfecta que representa un álbum perfecto que quedará grabado para siempre en la historia de la música. 

10


miércoles, 2 de septiembre de 2015

BRUCE SPRINGSTEEN
BORN IN THE U.S.A.
Columbia Records
1984



Cuando abrazas por la cintura a la mujer de tus sueños al compas de un sinuoso baile con una cancion como I'm On Fire de Bruce Springsteen, es imposible que no te recorra por la cabeza un sinfin de preguntas. Existen canciones que cuando se escuchan se transforman como un pase de fotografias que recorren nuestra mente. A veces, no siempre, puedo escuchar el sonido que hacen las melodías al rozar sobre sí mismas con las bellas imagenes de esa persona que llena mi vida, el roce de sus letras al frotarse contra su piel, erosionándolas con suavidad, acariciándolas como si quisieran recorrer la superficie de su cuerpo con la yema de sus dedos. El tiempo nos hace perder la facultad de decir las cosas importantes como lo que sentimos, curiosamente las cosas que jamas decimos son las mas importantes, pero acaso no es siempre asi? Cuantas palabras le dirías ahora a aquella persona que ya no puedes tener y que no dijistes en su día simplemente por el acomodamiento. La vida me ha ido preparando para vivir así, para sentir y sufrir, para amar y cuidar, para que me rompan y para que me hagan trizas, para morir por desamor y resucitar. Una vez me dijo alguien que cuando un sueño se me muriera o entrase en coma una ilusión, no los enterrase ni lo llorase, que los resucítara.
Se acabó eso de vivir en una deuda infinita en la que crees que nunca podras pagar todos los errores del pasado. Pero puede pasar de todo, verdad? Puedes amar tanto a una persona que tan solo el miedo a perderla haga que lo jodas todo y acabes perdiendola. O puedes despertarte al lado de alguien durante años y creer que tu vida seguira ahi para siempre y de repente es como si alguien te regalara uno de esos puzzles en que se supone que ha de encajar todas las piezas pero que a su vez desconoces. Creo que la felicidad es muy injusta, porque cuando lo somos no nos damos cuenta que lo somos, deberiamos vivir la felicidad intensamente y poderla guardar para los momentos que nos haga falta y asi coger un poco del mismo modo que guardamos durante la vida tantas cosas que no sirven para nada.
Se me hace raro hablar de The Boss, es uno de esos artistas que jamas llevaria un disco suyo a una isla desierta, pero en cambio lo respeto como pocos, “Born in the U.S.A”  es una bestia extraña en la discografía de Springsteen: amado y discutido por igual. Es el disco del éxito mundial, por su sonido grandilocuente, en cambio es visto con recelo por los fans mas aferrimos. Pero también en el registro contiene algunas de las canciones más populares de Springsteen. Es un álbum con problemas, ya que nos apartamos de los inicios marcados por la influencia de Bob Dylan. El inicio del disco tiene un ritmo violento, pesado y marcial; especialmente Born in the USA, es la canción más incomprendida de toda la historia del rock. Los que muchos consideran como un himno patriótico a la gloria de los Estados Unidos, es en realidad una de las críticas más violenta jamás se ha hecho con el gobierno de Estados Unidos. ¿Cómo definir el álbum que hizo icono del rock a Springsteen en todo el mundo haciéndole llegar a vastas audiencias del público (y dejando perplejos a muchos fans de edad)? Ciertamente el estilo del álbum aparece despreocupado, positivo, magnífico; pero esto es a menudo en desacuerdo con la reflexividad de las letras de muchas de sus sus canciones, "Glory Days", "My Hometown", "Dancing in the Dark", y otras mas.

Puntuación *9,5/10

martes, 11 de agosto de 2015

 LOST IN TRANSLATION
Soundtrack by Various Artists
Emperor Norton
2003
 



¿Es todavía posible hacer una película muda en el siglo XXI? Sofia Coppola dijo que sí, y en 2003 resultó su manifiesto: "Lost in Translation", el amor traducido, es el comienzo de todo, y el final para muchos. Porque a veces para dar a entender, sólo necesitas una pista, un pequeño gesto, o un ligero toque, en vez de decir muchas cosas.
No puedo decir cuántas personas me han dicho que no entienden "Lost in Translation". Quieren saber de qué se trata. Se quejan de que "no pasa nada". Ellos han sido entrenados en sus vidas por películas que les dicen dónde buscar y qué hay que sentir, en las historias que tienen un principio, un desarrollo y un final. "Lost in Translation" ofrece una experiencia en el ejercicio de la empatía. Es una cuestión de la lectura de nuestras propias emociones en una pizarra en blanco a espera de ser escrita. Bob Harris (Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson), ambos atrapados en  matrimonios carentes de estímulos, se conocen durante un período de estancia en un hotel de Tokio, cada uno por sus propias razones. Sofia Coppola, hija del padrino, da una prueba más de que hacer una película no es simplemente realizar una historia contada, sino que tambien debe contener algo en que nos sea memorable para nosotros, un momento, un par de segundos para tener el don de la inmortalidad, ya sabes, como revivir un dejavú y verte dentro de la pantalla siendo el personaje viviendo las mismas experiencias. Estos momentos sólo se celebran con los extraños. Todos tenemos la necesidad de hablar de la metafísica, pero los que nos conocen bien quieren saber detalles específicos; los extraños nos permiten operar más vagamente en una escala cósmica de nuestra vida. Cuando se produce la charla entre dos personas bien avenidas, se reúne una carga emocional especial: sólo se puede decir "me siento como si te conociera desde hace años" a alguien que no has visto en la vida. Es curioso, cómo tu cónyuge normalmente no entiende la fugacidad agridulce de la vida, así como un extraño encontrado en un bar de un hotel. Sin embargo, "Lost in Translation" es demasiado inteligente y reflexiva a ser el tipo de película en la que se van a la cama y se supone que debemos aceptar como unica respuesta. Sofia Coppola, quien escribió y dirigió, no los deja fuera el instinto tan fácil y evidente. Comparten algo tan personal como sus sentimientos en lugar de algo tan genérico y de serie como sus genitales.
La superficialidad de las palabras a veces se alejan del propio significado, escenas como esta: "¿Tengo que preocuparme por ti, Bob?" su esposa le pregunta por teléfono. "Sólo si quieres", le responde. Palabras que sobran y dan mas significado al propio silencio porque son la evidencia de unos personajes que se han convertido en lo suficientemente reales como para merecer su privacidad emocional, al igual que la escena final de la película, donde jamas deberiamos deberíamos estar autorizados a escucharla y tal como sucede no escuchamos el susurro que le propina Bob a Charlotte.  Pero yo me pregunto: ¿Quién sabe lo que le susurra al oído? ¿A quién le importa? Es probablemente algo muy bonito y agradable.


Bien, la banda sonora. La pasión por la música se encuentra intacta en los vástagos de la familia Coppola, son muchas las peliculas que cuentan entre las obras maestras de todos los tiempos. La única mujer en la familia, Sofia Coppola, es declarada como una gran melómana, cosa que ya se pudo comprobar con Las virgenes suicidas. Es difícil encontrar una nota falsa en el contexto musical de la película, cada canción acaricia suavemente cada fotograma. Los ejemplos son claros: Brian Ferry, Death In Vegas, Sebastien Tellier, My Bloody Valentine y otros artistas en una mezcla que se hace eco en plena armonía con la historia. Esta operación exitosa de Coppola ha encontrado una vez más en la música la plusvalía absoluta: si en su primera película había confiado en Air, ahora confió la banda sonora en Kevin Shields de My Bloody Valentine, una alegria para los fans del llamado shoegaze de finales de los ochenta, la música que nos acompaña a lo largo de la película y que, con la canción elegida para el final de los hermanos Reid, envía escalofríos por mi columna vertebral poniendome los ojos rojos al igual que Scarlett, y mis párpados aleteando al unísono en cada nota de Just Like A Honey.

Puntuación *10/10


miércoles, 22 de julio de 2015

 SOUNDGARDEN
"DOWN ON THE UPSIDE" 
A&M Records
1996


Que fácil es echar la vista hasta el año 96 y que lejano y doloroso empieza hacerse ya, 1996 la escena grunge veia sus últimas horas. Ningún grupo resultante de esta ola era capaz de manejar esa conciencia repentina creada por los medios, con afluencia de dólares y un reconocimiento unánime que sobrepasaba las espectativas. Después de haber experimentado la gloria con el álbum anterior, Superunknown, Chris Cornell y su equipo trataron su última batalla de la década con sus últimas fuerzas. Si uno se fija atentamente ya puede dislumbrar una curiosidad en la cubierta, no es difícil entender que cada miembro parece estar tomando un camino musical diferente. En las fotos, cada miembro del grupo está representado por una sombra negra, como aspirante a un retorno a un anonimato.
A través de este álbum con más de una hora de música, Soundgarden dejaron de lado las guitarras sucias y representativas del grunge para mostrar un verdadero talento en la composición de sus melodías, menos pesadas que antes. La producción y los arreglos son los grandes puntos. Y me refiero a la riqueza de "Pretty Noose", "Rhinosaur" o la muy rápida y sorprendente "Ty Cobb" ofreciendo una mandolina en solitario en un buen riff agresivo. Pero esta vez, Soundgarden estaba dispuesto a poner varias cuerdas en su arco. Los amantes de Superunknown encontraron algunas atmósferas con plomo en "Never The Machine Forever" o "Tighter & Tighter". Chris Cornell parecía haber invertido realmente en este álbum una idea de su futura carrera como solista, ofreciendo algunos cotes ligeramente claros "Burden In My Hand" o canciones mas lentas y hermosas como la melancólica "Blow Up The Outside World"," Overfloater "o" Boot Camp ". 
En general, este no es su mejor o el más memorable álbum, pero todavía es, sin duda, Soundgarden. Y no lo que sacaron posteriormente con King Animal, la mayor parte de sus atributos sorprendentes aún estaban presente y conservaba una sensación cómoda, para bien o para mal, probablemente inducida por la productora. El álbum tiene momentos maduros, así como destellos de juventud por lo que no hay paso en falso en este álbum. Solo deja un sabor amargo en la boca porque nos hubiera gustado encontrar más canciones tan fuertes como la zeppelinienense "Zero Changes" o la extraña "Applebite" y la grunge "Dusty". Sólo podemos consolarnos a nosotros mismos escuchando de nuevo en modo bucle su discografía y especialmente los tres últimos, tres monumentos ineludibles de los 90s. 

Puntuación *9/10 

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